월간 「민화」창간 기념 특별 좌담회

오늘날 급격히 늘어난 민화 인구 중에는 단순히 민화를 좋아하는 애호가들도 있지만, 핵심을 이루는 군은 직접 민화를 그리고 작품 활동을 하는 작가들이다. 이른바 ‘민화작가’의 수가 크게 늘면서 이들이 그리는 현대의 민화는 어떤 그림이어야 하며, 또 어떤 목적과 방향을 지향해야 할 것인가 하는 문제가 새삼스런 담론으로 떠올랐다. 이 문제는 해묵은 민화의 정의 문제와도 맞물려 민화계 내부에서도 서로 다른 의견이 많다. 과연 해답은 없는가. 월간 의 창간을 기념하여, 연구자와 작가가 한 데 모여 이 어려운 문제에 대한 해답을 모색하는 시간을 가졌다.

민화와 민화작가, 새로운 정의가 필요한가

윤열수 민화 인구의 급격한 증가 현상을 새삼스레 되짚을 필요까지는 없을 것 같습니다. 특히 2000년대를 기점으로 민화계는 질적으로 중대한 전환을 경험하게 됩니다. 민화를 직접 그리는 작가들이 더욱 활발히 배출되고 학문적인 면에서도 연구자의 수가 늘어나고 미술사를 정식으로 공부한 학자들이 민화에 관심을 가지는 등 획기적인 변화가 일어나지요. 하지만 그 모든 변화의 중심에 있는 것은 역시 ‘작가의 존재’라고 하겠습니다. 작가의 증가와 그들의 활발한 활동이야말로 민화계 발전의 가장 큰 원동력이 되었다고 봅니다. 이제는 민화계에도 이른바 ‘화단’이 형성되었다고 할 수 있겠습니다. 그렇다면 이들 현대의 민화작가들이 앞으로 지향해야 할 방향은 과연 어떤 것일까요? 우리나라 최초의 민화 전문잡지로 기록될 월간 는 창간을 기념하는 특별좌담의 테마를 바로 이 문제로 잡았습니다. 이 문제에 대해서는 작가와 연구자의 입장이 다를 수도 있을 것 같아 작가와 연구자를 한 자리에 모셨습니다. 고견을 부탁드립니다.

윤범모 민화계의 저변이 월간 와 같은 전문잡지가 창간될 정도 충분히 확장된 것은 일단 경하하고 축하할만한 일입니다. 그러나 이러한 발전, 즉 외적 팽창이 민화계에 이제까지와는 다른 새로운 숙제를 던져주고 있는 것도 사실입니다. 우선 다소 해묵은 문제 같지만, ‘민화’라는 용어가 적절한 것인지 되짚어 볼 필요가 있고, 민화계에도 과연 ‘화단(畵壇)’이라는 것이 존재하는가 하는 점에 대해서도 생각해 봐야 합니다. 화단이라는 것은 ‘작가, 혹은 화가로 불릴 수 있는 사람들의 범주’를 말합니다. 작가란 작품을 창작하는 사람이며 작품의 가장 기본적인 요소이자 생명은 ‘창의성’의 여부입니다. 즉 화가란 작가의 창의성이 살아 숨쉬는 작품을 ‘창작’하는 사람인 것입니다. 그런데 오늘날의 민화가 과연 그러한 그림인가를 진지하게 생각해 봐야 합니다. 옛 것에 대한 단순한 모사를 과연 창작이라 할 수 있느냐는 것이지요. 저는 민화가 ‘공예’로 치부되는 것에 대해 상당한 반감을 가지고 있는 사람입니다. 민화는 회화이며 회화여야 합니다. 그러나 회화이기 위해서는 작가의 창의성이 반영되지 않으면 안 됩니다. 지금의 민화계, 특히나 ‘21세기를 지향한다면’ 우선 이런 문제에 대한 입장이 정리되지 않으면 안될 것으로 봅니다.

윤열수 민화의 정의와 민화작가의 정의는 사실 맞물려 있는 문제라는 점에 대해서는 동의합니다. 그러나 민화에 있어서의 ‘창작’이 어디까지를 말하는 것이냐 하는 점에 대해서는 의견이 다를 수도 있다고 봅니다. 특히 화단이라는 용어를 어떻게 해석하고 범주를 어디까지 잡을 수 있는가는 중요한 문제입니다. 민화만의 특수성 같은 것도 있지 않을까 하는 생각을 해 봅니다. 다른 분들의 의견은 어떠신지요?

이원복 민화의 정의에 대해서는 일본의 민예 운동가 야나기 무네요시 이후, 한국의 1세대 연구자들에 의해서도 적지 않은 논의가 있었고, 그 논의는 아직도 진행 중이라고 보입니다. 그런 점에서 해묵은 문제라고도 할 수 있지만, 그럼에도 불구하고 윤범모 선생께서 지적하신 사항은 분명 주의를 환기해야 할 부분입니다. 그러나 개념적으로만 살 수 없는 것이 사람입니다. 정의와 범주를 제대로 정의하기는 어려워도 민화의 존재감은 부정할 수 없습니다. 그만큼 민화는 다소간의 문제점을 안고 있으면서도 일반 회화가 주지 못하는 독특한 감동과 정서를 제공해 왔다는 뜻입니다. 그런 점에서 이런 논의와는 관계없이 민화는 계속 그려지고 발전할 것입니다. 하지만 그것과는 별개의 문제로 작가 혹은 화가라는 개념에 대해서는 좀 더 진지하게 생각할 필요가 있습니다. 시대를 담고 있지 않거나 작가의 개성과 특징을 담고 있지 않다면 민화건 아니건 미술작품이라 할 수 없습니다. 이것은 민화에 대해서도 매우 유효한 기준이 됩니다. ‘카피’, 즉 모사만 전문으로 하는 이들을 작가라고 할 수 있느냐 하는 의문은 제기할 수 있겠지요.

모사와 창작, 무엇이 먼저인가?

윤열수 두 분 연구자의 말씀을 잘 들었습니다. 이번에는 직접 민화를 그리시는 작가의 목소리를 들어보기로 하지요. 우리 민화화단의 중진이신 김상철 선생님이 먼저 말씀해 주시지요.

김상철 말하자면 깁니다만, 일단 일반 회화와 민화는 다른 점이 많습니다. 따라서 민화에 있어서만큼은 어디까지가 창작인가가 애매한 것이 사실입니다. 밑그림을 기초로 형태를 그리고 법도에 맞게 채색해 가는 과정은 민화의 가장 기초적인 부분을 이룹니다. 이건 분명히 큰 의미를 지닙니다. 이런 과정을 다 마스터 한 상태라면 작가는 작품에 대해 좀 더 자유로워질 수 있습니다. 어떤 방법이든 선택할 수 있지요.
그러나 이런 것을 기준으로 작가냐 아니냐를 재단하는 것은 좀 문제가 있어 보입니다. 대상을 그대로 모사하는 작품을 창작이라고 하는 것도 문제일 수 있지만, 민화의 기본과 기초도 제대로 익히지 못한 채 일반회화를 흉내만 낸 것을 창작이라고 할 수 있느냐, 더 나아가 민화라고 할 수 있느냐 하는 것이지요. 아마 많은 작가들이 그럴 것이라고 생각합니다만, 저의 경우는 현재 대상을 그대로 모사하는 그림은 많이 그리지 않습니다. 이제는 민화작가들에게도 ‘창작 민화’이기 위한 자격에 대한 고민과 반성은 필요한 시점이라고 봅니다.

송창수 사실 ‘현대 민화’, ‘창작 민화’의 정의나 범주에 대한 고민은 오래 전부터 제기된 것입니다. 예컨대 서양화를 배우고 그리는 사람들이 민화적 표현 혹은 민화에 자주 나타나는 형상을 서양화의 재료와 화법으로 구현했을 때 그것이 과연 민화가 될 수 있을 것인가? ‘민화풍의 그림’과 ‘현대 민화’가 같은 시각에서 다루어질 수 있는가? 이런 문제들이 제기됩니다. 예컨대 ‘현대적 안료인 아크릴로 민화의 주요 화목인 ‘책가도’를 그리면 창작 민화라 할 수 있을까?’ 하는 의문들이지요. 이 점에 대해서는 저 역시 현재로서는 명확한 대답을 하기가 어렵습니다.
그러나 이런 문제들은 더 이상 외면할 수 없는 시점에 와 있다고 봅니다. 명확하진 않더라도 어느 정도 민화의 범주, 더 나아가 ‘현대’와 ‘창작’의 범주를 설정할 필요는 있다고 봅니다. 그런 점에서 언제 이 문제를 주제로 연구자와 작가가 함께 참여하는 대규모 포럼 등이 열릴 수 있었으면 좋겠습니다.

윤열수 연구자의 견해와 작가의 견해를 다 같이 들어보았습니다. 어느 정도 토론의 윤곽이 잡히는 것도 같습니다. 이번에는 다시 연구자의 입장에서 앞서 발언하신 분들의 견해를 정리해 보고 싶습니다. 정병모 교수님의 생각을 들어보겠습니다.

정병모 저는 연구자이지만, 앞에 두 분 연구자의 생각과는 조금 다른 각도에서 접근하고 싶습니다. 사실 민화는 조선 후기부터 2, 3세기에 걸쳐 많은 사람들의 사랑을 받은 유구한 역사를 지니고 있는 장르입니다. 그럼에도 불구하고 과연 새로운 정의와 존재 이유를 계속 찾아야 하는가 하는 생각을 해 봅니다.
또한 모사를 창작으로 볼 수 없다는 견해는 서양미술의 개념입니다. 오랫동안 동양미술사에서 전범이 되어 온 사혁(謝赫)의 화육법(畵六法)에도 ‘전이모사(轉移模寫)’가 있습니다. 앞선 대가의 그림을 임모하거나 방(倣)하는 것은 결코 흉이 아니었고 작품으로도 대우받았습니다. 그렇다면 창작이라는 개념을 기준으로 초본 중심의 모사 민화를 그리는 이들이 작가냐 아니냐를 따져 묻는 것이 당위성을 갖는가 하는 것은 생각해 볼 문제라고 봅니다. 사실 오늘날 민화 붐은 ‘모사’에 큰 공이 있다고 봅니다. 그림에 큰 재능이 있지 않아도 종이를 대고 따라 그릴 수 있는 모사는, 일단 민화라는 장르 자체에 대한 접근성을 높였습니다. 그렇게 그린 그림들을 갤러리에 전시하고 자기 자신의 행복도 느끼고 가족 등 지인과 함께 그림을 즐길 수도 있다는 등의 효용성도 무시할 수 없습니다. 예술의 순기능이기도 하니까요. 물론 예술에서 창작은 중요합니다만, 모사의 효용성과 민화 작가를 작가로 부르기 위한 창작의 당위성 사이에는 어떤 균형이 있어야 한다고 생각합니다.

윤범모 제 말에 다소 오해가 있으신 것 같습니다. 저는 결코 모사의 가치를 평가절하 하는 것도 아니고 민화를 그리시는 많은 분들을 가볍게 생각하는 것도 아닙니다. 저도 모사가 민화의 저변 확대와 인식 제고에 미친 영향을 중요하게 생각합니다. 당연히 의미 있는 일입니다. 다만 취미로 그리시는 분들과 작가로서의 활동은 분리해서 생각할 필요가 있다는 것입니다. 더욱이 오늘 좌담회의 주제인 미래의 ‘지향점’, 즉 발전 방향을 염두에 둔다면 더욱 그렇습니다. 민화에는 모사를 하는 이들만 있는 것이 아니라 소수일지 모르지만 분명 창작 중심 작가들도 존재한다는 것이지요. 이들에게는 이들의 영역을 독립시켜야 한다는 것입니다. 거듭 말씀드리지만 민화가 발전하려면 거기에는 시대정신을 담아야 합니다. 개성적이면서도 민족성과 국제성을 동시에 갖고, 현대성을 가지면서도 전통성을 담보할 필요가 있습니다. ‘당대(contemporary)’를 활동배경으로 하는 작가와 모사 중심의 작가를 구분하는 데서 좀 더 생산적인 토론이 나올 수 있다고 봅니다.

전통에 기반을 두고 창작하는 자세가 필요하다

윤열수 쉽게 말하자면 취미활동가와 전문작가를 구분해야 한다는 것이 윤범모 선생의 지적인 것 같은데요, 반론이나 첨언하실 분 없으십니까?

이원복 첨언하자면, 이 창작과 모사를 갖고 창의성 혹은 작가로서의 자격을 논하는 것은 민화만이 아니라 한국화 전반에 적용될 수 있는 사안입니다. 사실은 원론적인 이야기지요. 민화는 어디까지나 과거, 특히 조선시대에 크게 일어난 회화임을 생각할 필요가 있습니다. 즉 그 시기에도 전업과 취미를 가르는 기준이 있었을까요? 현재 남아있는 민화 중에는 기법 면에서 숙련도가 뛰어난 테크니션이 그린 그림도 적지 않습니다. 그러면 ‘그런 그림을 그린 작가들이 다 전업 작가였느냐?’ 그렇진 않을 수 있다는 거지요.

윤범모 그렇다면 이런 물음들이 나올 수 있겠습니다. 전업으로 하되 모사 중심으로 하는 사람이 작가인가? 물론 아닐 겁니다. 작가는 자신의 독자적 세계를 갖고 있느냐가 기준이 됩니다. 작가냐 아니냐는 결국 작품이 이야기해 주는 것입니다. 이런 점에서 제 이야기의 핵심은 너무 많은 취미 작가와 소수의 훌륭한 창작 작가를 구분하는 것이 중요하다는 것입니다. 민화를 그리는 분들 중에도 창의성이 뛰어난 훌륭한 분들이 분명히 있습니다. 이들 민화작가들을 선별해서 이들이 당당히 ‘미술계’에서 본격적으로 활동하게 하고, 더 나아가 국제무대에서도 인정받는 작가로 키워나가는 풍토가 되어야 한다는 것이지요. 이것이야말로 미술계와 민화계의 이원화 현상을 해결하고 진정한 ‘21세기의 민화’가 나가야 할 지향점 아니겠습니까?

김상철 모사에 대한 이야기를 좀 더 하자면, 같은 모사라도 조형 요소에 대한 충실한 이해를 기반으로 모사하는 사람과 그냥 본을 따라 하는 경우는 엄연히 차이가 있습니다. 그렇기 때문에 전업 작가이면서도 모사작품만 그릴 수도 있고, 취미로 그리면서도 나름 독자성 같은 것이 담긴 작품을 생산할 수도 있는 것이지요. 모사를 기준으로 작가냐 아니냐를 구분하는 문제는 이래서 어렵습니다.

윤범모 민화에 대한 다소 급진적인 의견이 될 수도 있겠습니다만, 저는 궁극적으로 민화라는 용어는 생명력이 유한하다고 봅니다. 결론을 말하자면 궁극적으로는 ‘민화’라는 말은 필요가 없게 되는 것이 맞지 않을까 합니다. 결국 그림은 모두 회화인 거예요. 민화가 ‘회화’로서의 정체성을 찾지 않으면 안 된다는 뜻입니다.

송창수 윤 교수님 말씀에 전적으로 동의하는 것은 아니지만, 실제로 누가 정말 민화작가인지에 대한 고민은 이미 진행형입니다. 서양화 작가에게 자신의 누구냐고 물으면 ‘서양화가’라고 말하지는 않습니다. 그냥 ‘작가’ 혹은 ‘화가’라고 하죠. 이런 점에서 본다면 ‘민화작가’라는 말 자체가 오히려 민화작가의 입지를 애매하게 만들 수도 있다고 봅니다.

정병모 윤 교수님 말씀처럼 모사 전문가와 창작자의 분리는 중요한 문제일 수도 있습니다. 그런데 이런 문제가 남습니다. 즉 모사를 작가성과 분리해야 한다면 모사를 전문으로 하는 이들은 어떻게 불러야 할까요? 사실 민화의 수준을 높이는 데는 모사 작가들의 공이 매우 컸습니다. 이런 점에서 전통에 기반을 두고 현대로 나아가는 길을 모색해야 한다고 봅니다. 전통이란 단순히 ‘오래 된 것’, ‘흘러간 옛 것’이 아니라 한민족이 5천 년 간의 실험을 거쳐 얻어낸 아이디어의 기반입니다. 이를 토대로 창작을 한다는 것은 분명 가치 있는 일입니다. 분야는 다르지만 윤광조 선생 같은 분을 예로 들 수 있습니다. 그 분은 서양미술을 전공했지만 비슷한 시기의 동기들과 달리 독자적으로 분청사기를 현대화하는 작업을 고수, 자신만의 정체성을 확립했습니다. 케케묵은 분청사기로 말이지요. 당시 ‘첨단’만을 좇았던 동시대의 작가들은 기억에서 거의 잊혀졌습니다.

윤열수 좋은 말씀이십니다. 전통에 기반을 두고 창작을 하는 자세는 매우 중요한 일입니다.

이원복 또 한 번 첨언하자면, 모사라는 것은 단순한 카피가 아니라 일련의 ‘과정’이라는 것을 인식할 필요가 있습니다. 어떤 것을 무조건 답습하는 것이 아니라 지금까지 관심을 가져 온 것들에 대해 다시 생각해 보는 기회를 갖자는 것이지요. 오늘날 민화가 무엇이어야 하는가는 미술사가의 영역이고, 한국인들의 정서를 표현하는 것은 작가의 영역입니다. 결국 목적이 합치되는 부분입니다. 아주 정확하지는 않더라도 이제는 ‘민화가 무엇이냐’라는 질문을 받았을 때 누구나 떠올릴 만한 범주는 있다고 봅니다. 즉 대략이나마 ‘민화란 이런 것이다’라는 합의는 됐다고 봐요.

송창수 2000년대 초반만 해도 민화는 다분히 폄하되는 분위기였습니다. 그래서 저는 작가인데도 대학원에서 미술사를 공부하기도 했습니다. 기법 면에서 무엇이 전통적인 민화인가를 연구할 기회가 있었습니다. 그런데 당시 저를 지도했던 교수님이 고수한 방법이 있습니다. 예를 들면 전통진채학과를 졸업하기 위한 조건이 이랬어요. 2년 동안 전통기법으로 초상, 불화, 민화 등을 100호 크기로 4점을 그려 제출합니다. 그리고 창작으로 3작품 정도가 있어야 합니다. 그런데 그냥 창작이 아니라 2년간 배워 왔던 모든 기법을 사용해야 하고요 요즘 논의되고 있는 현대적인 민화 창작의 개념도 사실 그 기법을 익히는 과정과 다르지 않다고 봅니다. 기법을 정확히 알고 창작을 한다면 자연히 민화작가와 작품의 정체성이 구체적으로 설명되지 않을까 합니다.

김상철 저 역시 작업을 해 온 입장에서 결국 같은 맥락의 이야기를 드릴 수 있을 것 같습니다. 외부 혹은 후대로부터 어떻게 평가될지는 모르지만, 오랫동안 민화를 그렸던 사람들이 갖고 있는 그림에 대한 ‘그 무엇’을 인정해야 합니다. 어쩌면 이론이나 개념은 정교하지 못할지 모르지만, 오랜 기간 동안 그림을 그려 온 사람들만이 가지는, 직관적으로 얻어낸 창작의 특성이 분명히 존재하거든요. 거기에 주목할 필요가 있습니다.

윤열수 논의가 상당히 무르익었습니다. 민화의 범주에서 작가의 범주까지에 대한 논의가 진행되었지요. 이제 서서히 마무리 논의를 해야 될 것 같습니다. 다시 주제로 돌아가자면 21세기 민화화단의 지향점에 대해 말씀해 주십시오.

정병모 21세기의 비전이라는 측면에서 본다면 윤범모 교수님의 말씀하신 ‘세계 무대에서 경쟁력을 가진 작가들의 배출’은 원대하기도 하지만, 사실은 우리가 가야할 길이기도 하다는 생각이 듭니다. 그렇다면 민화 작가가 세계적인 작가가 되기 위해서는 어떤 것들을 갖춰야 할까요? 그 방법으로 제시할 만한 것들이라면?

윤범모 한마디로 말씀드리기는 뭣합니다만, 일단 ‘독창성’, 즉 자기 자신만이 만들어낼 수 있는 그 무엇이 있어야 합니다. 그리고 당대를 반영하는 시대정신이 필요합니다. 또한 민족성과 국제성을 함께 담아낼 수 있는 그릇이 있어야 하지 않겠습니까. 현실적인 요건으로는 우선 주제 면에서 민화 고유의 특성인 ‘길상’이라는 상징성을 담아야 할 것이고, 형식으로는 전통 기법에 의한 채색 등이 포함될 것입니다. 그 기법들은 물론 우리 전통을 담보로 한 것이어야 할 것입니다.

민화작가, 세계적인 스타가 될 수 있을까?

윤열수 글로벌한 작가의 배출도 중요한 문제지만, 보다 현실적으로 ‘지향점’과 관련해서 다른 관점의 견해는 없을까요?

정병모 앞서도 말했지만, 글로벌하거나 현대적인 감각을 첨단적인 것에서만 찾을 필요는 없다고 봅니다. 한 예로 현대 작가들, 즉 팝아티스트와 같은 이들이 관심을 갖는 부분은 민화의 해학적인 부분입니다. 일종의 ‘유머 코드’라고도 할 수 있는데 현대인들이 바로 이걸 좋아한다는 것입니다. 문인화에서 보이는 격조 있고 이상적인 부분보다 감각적이고 웃고 즐길 수 있는 것들에 대한 선호가 분명히 존재하는데 작가 입장에서는 이런 부분을 작품에 담아 낼 필요가 있는 것이지요. 예컨대 민중미술에 매진한 이홍원이라든가 권정찬 작가 등의 경우에서 그런 점을 볼 수 있습니다. 민중미술에서는 이러한 해학과 유머 코드를 극단적인 방향으로 몰아가기도 합니다. 다양한 선호라든가 방향에 있어서 균형을 잡아주는 존재가 필요한 시점이지요. 그런 작업이 성공한다면 뛰어난 스타가 나올 수 있다고 봅니다.

윤범모 그런데 지금과 같은 환경에서 그런 좋은 작가, 소위 ‘스타’가 나올 수 있는가는 의문의 여지가 있습니다. 숭례문 복원 사건에서도 드러났지만 우리가 민화 채색 안료 하나 제대로 생산하지 못하는 상황에서 ‘전통기법’이란 사실 공허한 것은 아닌가를 자성해 보아야 합니다. 결국은 전통과의 단절이 문제입니다. 티벳만 해도 채색화가 생활 속에 살아 있습니다. 그러나 우리의 경우는 전통이 현실의 삶 속으로 들어오지 않고 따로따로인 형상입니다. 이런 상황에서 백성 민(民)자를 붙일 수 있으며 민화라는 말을 쓸 수 있는가 하는 문제를 제기할 수밖에 없습니다. 그러나 이 과제가 해결될 수 있다면 스타는 나옵니다. 분명 매력적인 스타가 나올 수 있다고 믿습니다. 발상의 대전환이 절실히 필요한 시기입니다.

윤열수 이제 시간이 많이 흘렀습니다. 끝으로 오늘의 좌담회를 정리하면서 사회자의 입장이 아니라 패널의 입장에서 한마디 하고자 합니다. 어찌보면 오늘의 민화계는 참으로 정리가 안된 것도 많고 문제점도 많은 것 같다는 생각이 들 수도 있습니다. 그러나 민화계의 현주소를 좀 더 냉정하게 인식할 필요가 있다고 생각합니다. 앞서 윤범모 선생이 말씀했던 것처럼 미술계에도 아직 동양화니 서양화니 하는 구태의연한 논쟁이 있다고 합니다. 화단도 명확하고 학계와 평론계도 있고 대학과 대학원이 수도 없이 많은 미술계의 상황이 그러한 것입니다. 그에 비하면 민화는 아직 대학에 학과 하나 없고, 민화를 전문으로 논하는 평단도 없고, 연구자의 수도 비교할 수 없을 만큼 적습니다. 이런 열악한 조건을 감안한다면, 민화계가 안고 있는 이런 정도의 문제는 정말 아무 것도 아닌 셈이지요.
민화계 역시 연륜이 쌓이면서 많은 면에서 성숙해지고 원숙해질 수 있으리라고 생각합니다. 다만 아프지만 발전적인 논의를 통해 21세기의 비전을 갖게 되는 것은 대단히 의미있는 일이라고 생각합니다. 이를 통해 민화계, 그리고 민화를 사랑하는 대중들에게 좀 더 희망적인 이야기를 전할 수 있을 것입니다. 오늘의 좌담회가 바로 그러한 자리의 하나가 되었기를 바랍니다. 긴 시간 좋은 논의 대단히 감사합니다.

 

• 일시 :2014년 3월 9일 4시
• 장소 : 가회민화박물관
• 좌장 : 윤열수 가회민화박물관 관장
• 참석자 : 김상철 한국민화협회 고문, 송창수 한국민화협회 부회장, 윤범모 가천대학교 교수, 이원복 경기도박물관 관장, 정병모 경주대학교 교수